Agustí Villaronga

2008-11-06T10:08:00.000-08:00

-Agustí Villaronga-

Biografía

Sus abuelos eran tirititeros y ambulantes. Representaban en las ferias su espectáculo hasta que su abuela murió tuberculosa en un hospital de Tarrasa cuando el padre de Agustí era todavía un crío. Arrastrado a combatir al frente con quince años y arribando más tarde en Palma como cartero.

Apasionado del cine, le inyectó a su hijo la pasión del arte visual. Cuando Agustí era sólo un niño jugaban a hacer proyecciones con dibujos, cajas de cerillas y linternas. A los 14 años decidió ser director. Siempre que podía se escapaba al cine de arte y ensayo que tenía cerca de su casa. El raro cine brasileño y húngaro educaron su joven retina fascinada.

Cuando acabó el colegio escribió a Roberto Rossellini a su escuela de cine en Roma. Le respondieron que antes debería pasar por la universidad. Terminó sus estudios básicos en un colegio de jesuitas y algo decepcionado y adolescente se trasladó a Barcelona donde se matriculó y licenció en Geografía e Historia para estudiar el arte.

Poco después de iniciar su carrera conoció a Víctor García con quien se embarca en la companía de Núria Espert. Recorren Europa y América representando un papel en Yerma. Al volver para seguir con sus estudios, actúa en varias películas en las cuales trata con Pepón Corominas, productor audaz que le propone llevar el vestuario de ''La plaza del diamante''. Desde entonces, no paró de enlazar un rodaje tras otro, conociendo a los técnicos, el oficio y los secretos del cine.

Ha ejercido de profesor de Imagen así cómo de director artístico, decorador, estilista y realizador de videos de moda, siendo todo esto un paso previo para su incursión en el contexto cinematográfico con sus primeros cortos: ''Anta mujer'' (1976), ''Laberint'' (1980) y ''Al Mayurka'' (1980).

Y por fin, en 1987, y con menos de 30 millones de pesetas, reúne al equipo y las condiciones idoneas para llevar a cabo su anhelada ilusión de rodar un largometraje, su ópera prima ''Tras el cristal' seleccionada para el festival de Berlín, Premio de la Crítica de Mallorca, Premio Onda y el Gran premio del Festival de Cinema de Barcelona.

Julián Mateos y Maribel Martín le producen ''El niño de la luna'' (1989), con la que desconcertaría al público y a la crítica internacional en el Festival de Cannes de 1989. Galardonada con un premio Goya al mejor guión original y nominada como mejor director. Pero lejos de los premios, la crítica y el público atacan con vehemencia su trabajo.

En 1992 abandona temporalmente la ficción con ''Al Andalus'', un documental producido por Sogetel y el MOMA de Nueva York. Hasta su regreso en 1995 se dedica a hacer pasteles en una pequeña panadería. "La sensibilidad herida del creador obliga, a veces, a cambiar de ambiente durante una buena temporada".

Durante este tiempo, se obsesiona con la adaptación de la novela de Mercè Rodoreda, ''La mort de primavera'', pero tras dos años de ir de productor en productor y no conseguir apoyos, desiste, aceptando un encargo de Massa d'Or Produccions, Tornasol Films y la cadena francesa Arte para llevar al cine la novela de Georges Simenon, ''El pasajero clandestino'' (1995), alejada de su forma de narrar y expresar. Declaró durante su rodaje que la tentación de dejar el cine el fue grande.

Pero regresa con ''99.9'' (1997), otro encargo en el que María Barranco tiene que ver, ya que le propuso a él cómo realizador del guión. El film, coprotagonizado por Terele Pávez, estuvo presente en diversos festivales, entre ellos los de Montreal, Toronto, Roma, Sitges, La Habana y el Fantafestival, donde ganó sendos premios además del premio Mélies de plata a la mejor película fantástica europea.

Su siguiente trabajo, '''El mar '''(2000) supone su regreso como autor de una película "íntegramente suya". Coguionista junto a Biel Mesquida (poeta mallorquín) y Toni Aloy de una novela de Blai Bonet. Presentada en el Festival de Berlín y nominada al Oso de Oro, lo único que no causa, es indiferencia. Su reconocimiento se hace internacional y gana el Premio Manfred Salzgeber a la innovación. En 2001 recibió el Premio Nacional de Cine de Cataluña.

En su búsqueda incesante por lo difícil y nuevo, dirige junto a Isaac P. Racine y Lydia Zimmermann, ''Aro Tolbukhin. En la mente del asesino'' (2002), un falso documental donde juegan con las posibilidades del lenguaje fílmico mezclando estilos, géneros y formatos. Fue galardonado con el Premio Ariel como mejor guión Original.

Alejado del cine, adapta un texto teatral para la realización en formato televisivo de ''Después de la lluvia' (2007) donde obtiene una buena pero poco trascendente acogida.

Actualmente trabaja en un proyecto aún en fase de preproducción fruto de un encargo de Andrés Vicente Gómez sobre la vida y la obra del poeta Jaime Gil de Biedma

En el tintero se quedan obras como la ya mencionada "La Mort de Primavera" "Bárbaros de Occidente" una historia inspirada en la vida y obra de François Augieres, un escritor y pintor francés del siglo XX y "La Giganta", un proyecto sobre el que estuvo trabajando, pero que una vez conseguidos los apoyos financieros, uno de los productores, huyó con el dinero sin que hasta la fecha se sepa nada.

En la actualidad se encuentra rodando la adaptación de dos obras (‘Pa negre’ y ‘Retrat d’un assassí d’ocells’) del escritor Emili Teixidor en la coproducción hispano-francesa ‘Pa negre’, donde lo más interesante es un reparto compuesto por Sergi López y Eduard Fernández, a quienes acompañará Laia Marull.

La historia está centrada en la infancia y adolescencia de un chico durante los oscuros años ’40. A la vez que descubre la sexualidad, se despertará en él una conciencia moral.

Contextualización:

El cine de Villaronga ha sido erróneamente catalogado como obras degeneradas, con matices de sodomía y un obsceno afán por tratar temas delicados como la homosexualidad o la siniestralidad escabrosa de unos personajes irreales. El cine de Villaronga ha sido también descatalogado, se ha quedado apartado en un lugar indefinible del tiempo y el espacio, como flotando en una nube. Es ajeno a cualquier moda e imperativo externo. Las conclusiones que de él se extraigan, serán porque el pensamiento y sentimiento humano es el mismo en todos y de algún modo, coincidimos.

La propia vida de Villaronga es el único y mejor reflejo del contexto histórico social en el que está imbricada su obra. La Guerra Civil vivida en la carne adolescente de su padre es todo el resumen. Las largas sombras formadas y deformes de la guerra.

Así pues, podríamos contextualizar las obras de Villaronga en una España que apenas había evolucionado una década tras el fallecimiento de Franco, cuya dictadura política y religiosa había oprimido en una serie de valores tradicionales y profundamente católicos, privando de alguna forma la libertad de expresión y encarcelando la imaginación o determinadas conductas por evocarse de una idiosincrasia impura.

No es con la muerte de Franco ni con la caída de la censura en 1976, la ruptura ni la liberación de los traumas de la Guerra Civil que se esperaba. El destape, la supuesta liberación sexual española, el desarrollo del movimiento gay y la movida madrileña forman parte del mismo vínculo entre la autorrealización y la incomunicación entre las generaciones, que intentan, igualmente silenciar y liberar los fantasmas del pasado en un ejercicio descabezado aún e inmaduro.

Poniéndonos unas gafas especiales capaz de ver esas redes invisibles que unen entre sí todas las obras artísticas, podríamos buscar las canalizaciones, las raíces, los tentáculos prismáticos que desde sus obras nacen y desde el que sus obran beben.

Así pues habría que citar a Freud cuando habló de la teoría general del trauma. Del Marqués de Sade como buscador insaciable del placer, del dolor, del íntimo encuentro entre lo prohibido y lo cercano, lo posible y lo táctil, de la liberación corporal. Georges Bataille cuando escribió que el erotismo nace de la violación. Thomas de Quincey y su reveladora "El asesinato como una de las bellas artes". Y de Rimbaud por abrir en canal a la poesía y dotarla de vida rebullendo. Un sacrificio animal y satánico para despertar del ensueño romántico.

Como él mismo declara, el raro Cine Búngaro de la mano de Andonov con la desgarradora "Cuerno de Cabra" y el Cine Brasileño le activaron la sensibilidad visual.

En los setenta, Erice y Saura dibujan delincuentes sexuales abiertamente fascistas. Bertolucci con el último tango en París, Luis Buñuel con El oscuro objeto del deseo, Nagi Oshima, El imperio de los sentidos, Pier Paolo Pasolini, Saló o los 120 días de Sodoma, Visconti, la Caída de los dioses o Almodóvar, encarnan los deseos primitivos, los traumas, los fetiches.

Pero hay otras referencias. Simplemente por la estética de la violencia, el sadismo como expresión pura porque es humana. Abel Ferrara, David Cronenberg, Clive Barker y Takashi Miike nos muestran, como hace Agustí, una limpia en su presentación, pero sucia en su realidad, visión de la violencia. La Nueva carne, la carne simplemente.

Con nuestras gafas podemos ver también los actuales vasos comunicantes que existen entre los directores contemporaneos. David lynch, Gus Van sant, Cronenberg, Haneke, todos, junto a Villaronga, creadores de universos propios y perturbados por lo profundo de ellos, no por desviados ni inmorales. Directores cínicos, poéticos, nada obvios. El terror psicológico e inexplicable, desde lo profundo, la violenta sangría que venimos practicando desde nuestros antepasados con la naturalidad de quien coge un arma y dispara, sólo flexiona el dedo, es tan fácil. La cruda carne realidad.

Características y análisis de su filmografía:

La incomunicación y la obsesión de comunicar por medio de actos violadores formarán un lema común en su obra. Agustí Villaronga nos ofrece un cine hondamente subjetivo, en realidad como la vida misma es, salpicándonos de un delirio insoportable que te hace apartar la mirada o mantenerla de reojo. Más allá de escandalizar, agobia. Un arte estricto, nada convencional y sumergido en los enigmas del abismo humano.

Su perspectiva sobre la realidad es gris. Metales pesados. Toda la fotografía es moribunda y agónica, o más allá, deslumbrantemente blanca en el pasillo final de la muerte. El azul es el único que escapa como conductor a través de un mar denso que cubre sus películas donde raramente escapa algún color más que no sea el rojo de la sangre.

Su cine son imágenes y magia, luego son palabras. Es lo poético de una imagen que habla sola y esconde los misterios que sólo la poesía es capaz de hacer volar. La sombra en la penumbra.

El enfoque poético y místico es lo que tiñe sus obras de misterio y ternura, siempre amenazada por una agresiva experiencia que trunca la ingenuidad y la inocencia de los niños que recorren su filmografía.

Sus bandas sonoras, son espectros pululantes que acompañan el ambiente sin notarse, o no aparentemente, hasta que te das cuenta que cada sonido, cada nota, te han acompañado junto al protagonista, a un lugar del que es díficil salir, y en el que no sabes muy bien cómo has entrado.

Las obras de Villaronga tratan sobre temas cerrados a la sociedad, temas sobre los que de alguna forma se han consensuado una serie de posturas y registros sin dejar en muchas ocasiones, lugar para la discrepancia. La homosexualidad, la violación, la enfermedad y los límites.

Agustí nos insta a ver la parte de la realidad que no estamos acostumbrados a ver, una parte tan natural y coloquial como cualquiera otra. La perturbación de nuestro interior. Sus composiciones audiovisuales confraternizan con su ética, su forma de ver las cosas, su curiosidad por mostrar la realidad desde un punto de vista específico, fuera de la comercialidad y los prototipos de conducta, pero manteniendo su afán por llegar al público, aunque no a todo. Sabe bien que su lectura es complicada y peligrosa, como lo son los mejores viajes.

Villaronga crea en su sentido más amplio, un cine sin tapujos ni filtros, un cine que nos ofrece su sensible visión del interior, del interior de todos, un viaje que parte casi siempre desde el amor y termina maltrecho, escondido entre cuevas. Un mundo de personajes inflamables que viven guerras interiores. Seres encarnados casi siempre por actores y actrices noveles, puros, infantiles, que terminan desviándose, alejados, llegando al fondo, obligados a infringirse un castigo liberador por ser moralmente corruptos.

El hecho de haber vivido en un isla es un indicador del estado de su cine, no ya arrollado por las producciones comerciales y en molde, si no simplemente ninguneado pese a su carga sórdida y deliberadamente profunda. Aislado, arrinconado, de difícil acceso, donde las noticias llegan tarde y tarde salen.

Se le debe admirar el coraje de un trabajador convencido, de un artista que ha dedicado el amor suficiente al arte cinematográfico como para mostrarnos su visión de los hechos de una manera natural, sin miedos de ningún tipo.

Utiliza planos espaciosamente originales, personales, que nos conducen a un tratamiento íntimo e individualizado de cada personaje. Su ojo es el nuestro, somos el Voyeur de los actos que él nos filma.

Villaronga se inclina por seres únicos e individuales, que poseen algún tipo de información que, o bien nosotros no conocemos, o no debemos conocer, lo que nos concede la sensación de la duda y la confusión, el suspense. La inseguridad. El miedo a lo desconocido.

Las tramas que suelen manejar sus Films se ven envueltas por este tipo de protagonistas, los cuales siempre cumplen la norma de poseer una conducta lúgubre e inestable, ya sea por su estatus social o por el perfil psicológico que les describe. Contar a través de ellos lo extraordinario.

El registro psicológico que suelen adoptar, está basado en una especie de lucha contra todo por poder llegar a su destino, como si tuvieran un objetivo inexorablemente anhelado, algo a lo que aspirar, un fin al que alcanzar. Y ese objetivo está presente en toda la composición. Este viaje desesperado suele arrastrar a los de su entorno a la misma espiral catártica.

Tanto la batalla externa como la interna que estos sufren por “sobrevivir” es fruto de su tenaces convicciones, normalmente infundadas, viscerales, como la violencia en si misma.

La escasa iluminación que sobrevuela todas sus películas giran entorno a azules congeladores de la imagen. Ambientes fríos y desoladores, el hábitat del misterio, la hibernación del miedo. De la misma forma, muchos escenarios giran entorno a la noche, donde Agustí, hábilmente la presenta como la cara paralela de la realidad.

La noche envuelve a sus personajes como si en su seno más sombrío se apoderará de ellos y ambos fueran partícipes y cómplices de sus obras más zafias y malhechoras.

Los espacios donde se mueven, respiran de una siniestralidad muy detallada y natural, del misterio y la soledad, del desasosiego. Lo tenebroso del tránsito de sus protagonistas por el esforzado y tenso cable de la vida.

De esta forma, consigue que centremos nuestra atención en los personajes y sus circunstancias y no en los entornos austeros que nos presenta. Los áridos parajes purificadores por los que transitan torturados, como si de Jesús mismo en sus cuarenta días de tentación en el desierto se tratase.

El espectador no se entretiene con opulentos entornos y decorados ostentosos, sino al contrario, pudiendo así fijar sus sentidos en las interpretaciones y emociones.

Habitáculos convencionales tales como sótanos, habitaciones o salas, se ven convertidos en polvorientos y sombríos lugares cargados de desechos inservibles que se acumulan para envolvernos en ese juego tan macabro que se está llevando a cabo. Esos lugares como metáfora de los ámbitos extraños que hay en nuestro interior y que dejamos abandonamos a su suerte, los trasteros donde se acumulan nuestros más oscuros pensamientos. Los cacharros metálicos, que informes pueblan de chatarra nuestros escondites.

Sus personajes viven en poblados alejados de la civilización, en espacios desolados, como si la vida humana apenas existiera, como si allí fuesen exploradores de lo desconocido y de lo nuevo, de lo virgen.

Si ves a un niño desnudo colgado como a un cristo en una cueva derruida y llena de despojos. Si está oscuro y alguien les observa. Si el dolor sobrevuela como un pájaro dispuesto a darse un festín con la inocencia. Si hay otro hombre como él a punto de golpearle con una dura y real estaca de madera y si se besan doliéndose en el beso, sabrás que estás viendo una película de Villaronga.

Reflexión final:

Agustí Villaronga parece haber producido su cine en la época equivocada, en el momento inoportuno y en el país erróneo. Su obra ha pasado desapercibida. La lucidez, como la luz, que no se ve si no es porque tiene un lugar donde chocar, normalmente es considerada inexistente o invisible, que para el caso es lo mismo.

Muy pocas veces vemos una película de principio a fin y podemos afirmar rotundamente y sin dejar lugar a la duda que ese film es de un autor y no de otro. Por lo tanto Agustí es único y necesario. La visión heterodoxa, la pieza final en la amalgama del cine y de la vida.

Cada idea que Villaronga intenta filmarnos es puesta en escena con naturalidad y sin forzar. Cada plano de Villaronga es Villaronga. Cada plano suyo es un disparo. Da la sensación de que su obra es una explicación de todo su mundo, y que en el restringido y estrecho camino de una producción cinematográfica, no se ha perdido ni una gota del jugo artístico ni de la idea primigenia que este tuvo, si no que permanece intacta y pura. Cegadora.

Nos gusta la exhibición que hace de los arrebatos y sentimientos por crueles o bellos que sean. La unión de ellos. Nuestra naturaleza plural y ordenada en su propio caos.

Lo que le falta a sus obras es algo más que una sóla trama obsesiva, necesita de una narración más aguda, con más baile, que nos envuelva todavía más dentro del misticismo que quiere ofrecernos. La sensación de que sus personajes viven en un túnel dónde sólo hay una salida y un camino, choca esa idea de pluralidad emocional que hace que en un principio muten de la inocencia, a la degradación de los amargos y adictivos elixires del devenir descontrolado.

Villaronga nos demuestra una vez más, que en nosotros, en cualquiera, conviven todas las posibilidades emocionales del ser humano, que todos somos cualquiera de lo de los demás, que somos una granada explosiva llena de metralla. Sólo necesita que se active.

Enlaces de Interés:Agustí hablando de "Tras el Cristal"
Fragmentos de video de "Tras el Cristal"

Paolo Álvarez Correyero y Romualdo Abellán

No queda nadie

Agustí Villaronga